Cine
Délicieux: La Gastronomía como Puente a la Revolución
En el marco de la 25va edición del Tour de Cine Francés, la cinta “Délicieux” del director Eric Besnard está dentro de la programación, un filme de drama histórico que deja mucha narración y gastronomía en esta temporada.
Aquí hablaremos un poco de la cinta, ya que su estancia estará poco tiempo dentro de la programación, si quieres saber más, no te pierdas la nota sobre todo lo que tienes que conocer sobre el Tour de Cine Francés. Mientras, hablemos de “Delicioso“.
Sinopsis:
Reseña:
Como ya dijimos al principio, es un drama histórico, así que no sólo es un género que sobre sale dentro de esta edición del tour, también de toda la taquilla en general, tiene un gran valor agregado que es la investigación y ejecución representativa.
Desde el principio, la base es el guión, no te atrapan los vestuarios bien hechos o la paleta de colores que ocupan en cada escenario y que dan vida en el fondo, te atrapan los diálogos tan agresivos y nefastos que ocupan los personajes que representan la alta sociedad como Sacerdote o Señores Feudales, pero, se refleja más en la interpretación de nuestro actor protagonista, el señor Pierre, quien con humildad y a la vez dignidad, se envuelve en un lío moral para recuperar su trabajo.
En la primera escena, donde se presenta el platillo “Delicioso” (que es una empanada de papa), el Sacerdote dice algo nefasto pero real para la gente de esa época “Las papas y las trufas son para los cerdos“, fuera del análisis histórico, podemos ver como cosas tan insignificantes eran detonadores de una división social. Denle las sobras, lo que come un lechón al campesino o al alemán.
El primer acto va rápido en introducir a los dos personajes opuestos, el cocinero que toda la vida trabajó en el palacio sin ser reconocido y el duque que ha conseguido todo lo que quiere con su poder político y desecha a cocineros y mujeres cuando estos ya no le satisfacen.
Pero el segundo es uno de los más tardados, y eso que se nos presenta al tercer elemento dentro de la trama, Louise (Isabel Carré), que a pesar de no tomarla en cuenta durante este tiempo, al final se pone su verdadero tiempo e importancia para la trama. Creo que se hubiera aprovechado bastante si se recortara fragmentos que bien pudieron no salir y no afectaban la historia, como cazar conejos o incluso me atrevería a decir que la escena donde le pide Pierre a Louise que cierre los ojos para degustar los ingredientes; ¿Por que? Porque es predecible todo, al final si se enamoran, los hubieran puesto solamente que había atracción pero nadie decía nada hasta la escena donde va por ella a un convento de monjas (pequeño spoiler).
La historia tiene un gran giro y es muy buena para continuar con ambas metas entre los personajes de Isabelle y Grégory, se nota que si hubo esta interacción fuera del set y que se lograron complementar para que sus papeles reluzcan dentro de cámara.
Retomamos los escenarios, ya que al ser sets naturales, se abre más esta pasión dentro de la cinta, los paisajes naturales dan esa armonía entre los personajes y las situaciones además de que están ah doc con la temática y el tiempo; usar hornos de piedra o poner el vestuario no tan exagerados como películas de princesas, si da ese toque de Duques y plebeyos, aunque los trastes y cubiertos se me hicieron muy modernos, eso o no hemos avanzado mucho en esa área como humanidad.
Conclusión:
La película funciona bien, el segundo acto es el que debería haber durado menos, pero se entiende, cada personaje aporta algo a la trama y hay secundarios que logran sobre salir con un corto tiempo, además de que te proyecta al tiempo y en verdad, si eres un amante de la gastronomía y no has comido, prepárate para salivar.
Y como hay que reconocer el buen trabajo, les dejo los nombres detrás de toda la producción; la escenografía estuvo a cargo de Carole Theodoly, el diseño de vestuario corrió por Madeline Fontaine, quién ya ha trabajado en grandes cintas como Amelié o Manual de la Buena Esposa. El diseño de producción fue de Bertrand Seltz y claro, la dirección de Eric, cuya cinta es su ópera prima como director.
Como ven, hay buen talento, buena producción, en general la historia está bien, solo es afectado el segundo acto pero quedas fascinado visualmente, emocionado por las historias y con gran satisfacción al ver el final.
No te pierdas esta cinta en el 25 Tour de Cine Francés en las salas de Cinépolis, conoce más en su página. Si te gustó la reseña, comparte y no olvides etiquetarnos en historias se vas a verla o deja tu comentario.
Si eres fan de la saga de George Lucas no te puedes perder el Concierto Sinfónico de Star Wars el próximo sábado 16 de octubre
Symphonic Experience Concerts y el Gobierno de la CDMX organizan en conjunto el Concierto Sinfónico de Star Wars, este evento contará con la participación de la Orquesta Filarmónica Julián Carrillo y al Ensamble Coral “Coruscant”, dirigidos por el Maestro César Uriel Hernández.
Los fans de la saga de Geoge Lucas podrán disfrutar de esta experiencia en el Teatro Ángela Peralta el próximo 16 de octubre a las 7:00 pm. Este teatro, ubicado en el corazón de Polanco, se encuentra al aire libre, lo que garantiza que las personas que asistan se sientan más seguras.
Además, durante el concierto los espectadores podrán disfrutar de un performance de duelos con Lightsabers entre “Jedi vs Sith”, sin mencionar que en todo momento estarás rodeado de cosplayers caracterizados de personajes de la saga como: Chewie, Luke, Obi-Wan, Darth Vader, Darth Maul, El Emperador y una que otra sorpresa más.
Symphonic Experience Concerts es una productora de conciertos y eventos nacionales e internacionales independiente que desde su creación se han caracterizado por organizar productos de entretenimiento fuera de lo convencional enfocados a la cultura pop con un toque de creatividad.
El Concierto Sinfónico de Star Wars se llevará a cabo el sábado 16 de octubre a las 7pm en el Teatro Ángela Peralta, ubicado en Aristóteles S/N, Polanco. El acceso al público inicia a las 5:00 pm (boletos aquí).
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El Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México se llevará a cabo del 14 al 24 de octubre, con una edición híbrida donde la mayor parte de sus proyecciones serán gratuitas, conoce todos los detalles.
Siguiendo su objetivo de apoyar la creación, producción y exhibición de proyectos documentales, el Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México, mejor conocido como DOCSMX se realizará del 14 al 24 de octubre y festejaron su décimo sexta edición.
Inti Cordero, Director ejecutivo de DOCSMX y Pau Montagud compartieron en conferencia de prensa virtual los detalles de la programación, los talleres y demás detalles que se presentarán en esta edición.
“Han transcurrido años, más de una década desde que en septiembre del 2006 DOCS DF, en aquel momento abrió las puertas de salas de plazas, de espacios públicos, de diferentes lugares para compartir nuestra pasión que es el cine documental, el verlo y también hacerlo, y desde ese entonces se ha construido un camino año tras año, y volvemos después de 2020, un año difícil”, expresó Inti Cordero.
Este año se podrá disfrutar de la Selección Oficial 2021, de proyecciones especiales, de categorías como Global Docs, Otro Mundo es Posible, Nuestra América, Fragmentos, Hecho en México, México Ópera Prima y Doctubre 10 años, todo dentro de DOCSMX 16.
“Lanzamos nuestra convocatoria internacional, este año se inscribieron más de 1482 documentales, de más de 10 países, de ahí salieron los 74 que forman parte de la selección de este año. La programación internacional tiene ejes muy claros son los “Fragmentos”, los mejores cortometrajes tanto internacionales como mexicanos, “Global Docs” es la sección heterodoxa, “Otro Mundo es Posible” es una sección compuesta con documentales propositivos para cambiar en entorno inmediato y “Nuestra América” es un vistazo a nuestra casa”, comentó Pau Montagud.
La función de bienvenida será “No somos nada” del director peruano Javier Corcuera sobre la mítica banda de punk vasco “La Polla Records”, mientras que la función de despedida será “Fanny The Right to Rock” de Bobbi Jo Hart, que cuenta la historia de una banda que es la versión femenina de The Beatles.
La película “No somos nada” tendrá su estreno en Latinoamérica, después de presentarse en San Sebastián, la cinta nació como un registro de esta gira de despedida de La Polla Records pero al final se convirtió en la historia de una banda, de acuerdo a palabras del director en la conferencia.
Por otro lado, las secciones nacionales buscan darle visibilidad al documental mexicano, a los realizadores y realizadoras ya de trayectoria, y a los talentos emergentes que comparten a través de su mirada las realidades complejas y dolorosas.
La Sección “Hecho en México” estará conformada por 4 largometrajes que son “Fiesta Nacional” de Augusto de Alba, “Los árboles mueren de pie” de Ronan Kerneur y Fany Fulchiron, “On the Line” de Alex Gohari y Léo Mattei, y finalmente “The Cartel Project” de Jules Giraudat.
“Estos 4 largometrajes estarán proyectándose en algunas de las sedes presenciales que tendremos como la Cineteca Nacional, La Casa del Cine, el Instituto Goethe, y otro componente importante es la sección “Ópera Prima”, un espacio para las nuevas generaciones de cine con miradas frescas y talentosas que mostrarán cinco largometrajes”, compartió Cordero.
Esta sección “México ópera prima” está formada por “Color sonrisa” de Lorena María Peugnet, “La Poeta del Ring” de Mariana Tames, “La recua” de Darío Higuera Meza, “Puto paraíso” de Alejandro Serratos y “Un México Perro. El héroe verdadero de Rafael Aparicio, Andrés Klimek.
La red de exhibición de octubre cumple 10 años, un proyecto que nació para compartir algunas películas en cines clubs en la Ciudad de México y poco a poco se expandió a otros estados del país, “Doctubre” actualmente tiene 150 sedes y 7 largometrajes forman parte de esta sección este año.
“Doctubre aunque es un gran ejercicio de exhibición para demostrar la diversidad que tenemos en México tiene como objetivo crear audiencias, muy ligado a ese objetivo intentamos crear audiencias con “Docs 1,2,3 por mí” que es nuestro componente de cine documental de la no ficción hecha para niños y para niñas”, dijo Pau Montagud.
DOCSMX en esta edición se llevará a cabo del 14 al 24 de octubre, contará con sedes presenciales como la Alcaldía Iztapalapa, la Cineteca Nacional, Goethe-Institut Mexiko, La Casa del Cine Mx, el Parque México y Pohualizcalli Escuela de Cine Comunitario y Fotografía. Mientras que las sedes virtuales serán Docs en línea, Canal Once, Canal 22, canal 13 y TV UNAM.
Consulta la programación completa y los horarios en la página oficial.
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“Matando Cabos 2” llegó a Amazon Prime Video como una de las grandes propuestas para este décimo mes del año y aquí te dejamos algunos datos que no sabías de su antecesora.
Fue en el 2004 cuando se estrenó “Matando Cabos”, una película protagonizada por Tony Dalton, Kristoff, Pedro Armendáriz, Ana Claudia Talancón, Joaquín Cosío y Silverio Palacios, y dirigida por Alejandro Lozano.
Una historia con comedia oscura y poco convencional sobre un grupo de adolescentes de la Ciudad de México, que se ven envueltos en un secuestro que involucra a una leyenda de lucha libre retirada y un loro, una trama nada convencional para la época, ya que se venía de películas mexicanas con historias sólidas como “El Crimen del Padre Amaro”, “Amores Perros”, por mencionar algunas, que tenían una temática definida, mientras que “Matando Cabos” era todo lo contrario una película para entretener y hacer reír.
Hace unos días se estrenó la secuela de esta cinta, y si todavía no la ves, te dejamos algunos datos de este clásico del nuevo cine mexicano para que vayas calentando motores y recuerdes con nosotros los 17 años de la cinta (inserte la canción de “17 Años” de Los Ángeles Azules, que se puede escuchar en la película), misma que en su momento presentó a un elenco poco convencional. Checa estos datos curiosos que te harán disfrutar de mejor manera la próxima vez que veas “Matando Cabos”.
1. El guión fue rechazado unas 20 veces.
Los actores Tony Dalton y Kristoff Raczynski fueron los guionistas de la historia junto con el director Alejandro Lozano, y presentaron la idea del proyecto en más de 20 ocasiones pero nadie se quería arriesgar porque los actores venían de la televisión y porque en ese época se hacían películas con una trama más densa, nada para entretener. Y no fue hasta que Billy Rovzar y Fernando Rovzar decidieron apoyar el guión, con la cinta nació lo que ahora es la casa productora Lemon Films (con proyectos como “Control Z”, “Monarca” o “Kilometro 31”.
2. La idea original no tenía nada que ver con lo que conoces
La historia inicial fue escrita por el director de la cinta, Alejandro Lozano, era otra propuesta que se centraba en una mujer mayor y todo ocurría en un edificio, en cuanto Tony y Kristoff leyeron el primer borrador no les gustó la idea y decidieron empezar desde cero, los actores tomaron como referencia algunas películas como “After Hours” (1985) de Martin Scorsese (donde un empleado de una compañía dedicada a la informática se ve envuelto en extrañas circunstancias en la noche por las calles de Nueva York), otra cinta que les sirvió de inspiración es “Go” de John August, ésta influyó en la manera en que se resuelven los problemas planteados.
Un dato adicional es que la famosa escena del baño fue tomada de la película “Swordfish” (2001) de Dominic Sena, protagonizada por John Travolta, Hugh Jackman, Halle Berry y Don Cheadle.
3. La historia real del pájaro
Lo del “pinche pájaro” que interrumpe a los protagonistas está basado en una experiencia real de Tony Dalton, donde su vecino tenía un pájaro que hacía ruidos a las tres de la mañana, al cual quería darle literalmente un tiro por no dejarlo dormir. Y la escena fue escrita totalmente por Dalton.
4. La emblemática escena del Estadio Azteca
El director de acción David Barret fue el encargado de desarrollar la emblemática escena donde un Audi termina volando en las gradas del Estadio Azteca, Julian Bucio (un doble de acción) fue quien iba dentro del auto. Cuando grabaron esta escena en el estadio se rompieron las gradas que pertenecían a Coca-Cola y la producción tuvo que llegar a un acuerdo con la empresa de refresco, ya que las palabras de Azcárraga para obtener el permiso de grabación fue “nada más paguen lo que rompan”.
5. Las locaciones en la CDMX
La película se grabó en diferentes lugares de la Ciudad de México, no solamente en el Estadio Azteca, uno de esos recintos es el Partenón de Tlalpan, y aparece en la escena de la fiesta del cumpleaños de la esposa de Óscar Cabos. Esa mansión fue propiedad de Arturo “El Negro Durazo”; otro lugar recordado es donde ocurre el secuestro de Cabos el estacionamiento del CENART y la escena donde se da la persecución del micro contra el auto de Jaque ocurrió en donde ahora está el Museo Soumaya.
6. “Matando Cabos” tenía un crew nuevo en todos los sentidos
Para muchas de las personas que realizaron “Matando Cabos” era la primera vez que hacían cine, desde los guionistas y productores hasta actores como Silverio Palacios (El Caníbal) y Joaquín Cosío (Mascarita) que venían de hacer pequeños papeles en cintas mexicanas, mientras que para Tony Dalton, Kristoff y Raúl Méndez era su primera vez en la pantalla grande. Pero también contaban con actrices ya consagradas en el cine como Ana Claudia Talancón, que venía de protagonizar “El crimen del Padre Amaro” y “Ladies’ Night”, y la actriz Jacqueline Voltaire, con una gran trayectoria en la pantalla grande.
Esta película lanzó al estrellato a Joaquín Cosío, quien por mucho tiempo fue conocido como “Mascarita” hasta que participó en la película de Luis Estrada, “El Infierno” donde interpretó al “El Cochiloco”, sobrenombre con el que se le conoce al actor actualmente.
7. Los personajes
Como ocurre en muchas ocasiones, algunas veces los personajes son pensados para otros actores, en un inicio se contempló que Jose María Torre interpretaría a “El Caníbal” que finalmente fue para Silverio Palacios, del mismo modo el personaje de Oscar Cabos fue pensado originalmente para Jesús Ochoa, y fue Pedro Armendariz Jr, quien le dio vida.
8. Los problemas con la música
El soundtrack de la película también tiene una historia, por ejemplo Molotov fue una de las primeras bandas invitadas para componer una canción que formaría parte de la banda sonora, pero ellos se negaron al ver el primer corte de la película, que era un fiasco.
Por otro lado, canciones como “17 años” y “La Reina de Polanco” no están dentro del álbum con los temas de la película por temas de derecho de autor.
Sin duda alguna, la canción que más recordamos de la cinta es “Más caliente que el sol” de Fobia, grupo que supo darle sonido a la película, es difícil imaginar que alguien más pudo interpretar esa canción.
9. El table dance de la película
La escena del table dance se grabó en el “Solid Gold”, y el encargado del lugar invirtió capital en la película con la condición de que su hijo saliera en la película, además hay un anuncio del lugar en la película y las chicas que salen ahí trabajaban en el establecimiento.
10. Nominaciones a los premios
En la edición de los Arieles de 2005, la cinta estuvo nominada a cinco premios: Mejor Coactuación Masculina para Joaquín Cosio y Raúl Méndez; Mejor Edición para Alberto de Toro; Mejor Maquillaje para Carlos Sánchez, Carmen de la Torre y Roberto Ortiz, y Mejores Efectos Especiales para Alejandro Vázquez y Edgar ‘Chivata’ Lezama. También ganó una Diosa de Plata en 2004.
11. Remake español
En 2013, la película tuvo una adaptación española bajo el nombre de “¿Quién mató a Bambi”, donde un hombre rico, un grupo de secuestradores, dos amigos y un abogado que se metieron en una serie de giros inesperados.
“Matando Cabos” nunca pasará de moda, porque tras 17 años de su estreno todavía la seguimos disfrutando como la primera vez. Ahora que ya leíste estos datos, estás listo para disfrutar de “Matando Cabos 2” disponible en Amazon Prime Video.
¿Cuál de estos datos ya sabías? Si te gustó la nota no dudes en comentarnos en nuestras redes sociales.
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